Il videogioco finalmente è in mostra. E lo è in un luogo di cultura. E lo è insieme alle altre arti.
Cosa ci racconta il progetto Play Game nella Reggia di Venaria, a cura di Fabio Viola?

1. i luoghi di cultura storica, in quanto tabernacolo del passato antico o recente, ispirano nuove e diverse forme di storytelling memoriale
2. i videogiochi meritano l’Olimpo delle Muse, perché la tecnologia e il digitale ormai sono dimensioni delle nostre vite, e il loro game-play ha segnato buona parte dell’evoluzione sociale e cognitiva dell’umanità
3. è sempre possibile individuare e valorizzare le connessioni tra le diverse forme di espressione creativa, basta avere la competenze e la sensibilità
4. il podcast ha un enorme potenziale di marketing transmediale all’interno di una strategia di comunicazione culturale.

Ho ascoltato la playlist durante i 5 km di running (è una condizione che mi permette di restare ben concentrato sull’ascolto dei contenuti)
Mi andrò a cercare tutti i videogiochi narrati nelle puntate per studiarmi il narrative design. 

Ieri ho partecipato alla conferenza stampa per sostenere l’amico Fabio Viola per il lancio ufficiale del sequel Father and Son 2 a cura del collettivo TuoMuseo.

Non è semplicemente una game-app, è ma una forma d’arte fine e delicata, sociale, esperienziale, identitaria, formativa.
C’è una storia d’amore e stavolta c’è un’eroina, c’è il museo, c’è la Storia e c’è la Cultura del Mediterraneo e dell’Europa, ma soprattutto c’è la città.

Buzz Lightyear (lo space ranger di Toy Story) ne aveva fatto un moto: «Verso l’infinito e oltre!».

Eccone una istantanea, zoomata e cliccata dopo 12 ore di guardare fisso in un punto. È il lontanissimo universo, roba che solo a pensarci con la ragione impazzisci. Con la tecnologia ce l’abbiamo fatta, con la tecnologia non abbiamo limiti, con la tecnologia cresciamo e conosciamo meglio noi stessi e “i luoghi” in cui siamo immersi.
Bravo James Webb! 

Per il mio cervello, questa narrazione è così potentemente spaventosa, stimolante, coinvolgente e sensuale.

👀 Sneak a peek at the deepest & sharpest infrared image of the early universe ever taken — all in a day’s work for the Webb telescope. (Literally, capturing it took less than a day!) This is Webb’s first image released as we begin to #UnfoldTheUniverse: https://t.co/tlougFWg8B pic.twitter.com/Y7ebmQwT7j

— NASA Webb Telescope (@NASAWebb) July 11, 2022

La nascita del VRMuseum di Intel Corporation ci racconta una serie di storie ormai note su questi schermi (fa bene ricordarle, per il nostro “presente prossimo”):
✔️ il museo-esperienza come modalità di visita e percorso
✔️ tour e musei versioni virtuali aumentano la brand awareness
✔️ la multimedialità nella comunicazione e nella progettazione dell’esperienza museale

e ci ricorda la storia più antica di sempre in merito alla tecnologia e al museo:
✔️ «in antropologia culturale, tecnologia è l’insieme delle attività materiali sviluppate dalle varie culture per valorizzare l’ambiente ai fini dell’insediamento e del sostentamento» (fonte Treccani)
✔️ il museo valorizza ogni espressione e strumento costruito dall’uomo per il suo progresso, elevandolo a un livello così alto da dedicargli un sacro tempio aperto a tutti, che diventa memoria e luogo di identità.

Enjoy your Intel tour!

L’Edelman Trust Barometer è lo studio analitico più importante e riconosciuto al mondo che misura il livello di fiducia della popolazione verso… qualsiasi cosa! (voi sapevate che c’è un’azienda che misura la fiducia? Io lo scopro oggi!)

Tra i dati emersi nel report del 2020, mi ha colpito questa: «Gli italiani sono scettici verso la tecnologia, infatti il 67% del campione pensa che i progressi in questo campo siano troppo veloci e l’80% crede che il Governo non comprenda le tecnologie emergenti in misura tale da riuscire a regolamentarle efficacemente. Un dato quest’ultimo superiore rispetto a quello di Francia (61%) e Germania (75%).»

Parliamone

Inaugura il Museo dell’Arte Salvata nell’Aula Ottagona delle Terme di Diocleziano al Museo Nazionale Romano: si espongono opere d’arte recuperate (è il verbo narrativo giusto!) dal traffico illecito, dall’incuria e dalle catastrofi,  prima di essere restituite ai loro luoghi e musei di appartenenza.

È una notizia che ci riempie di orgoglio. È un museo insolito, che mette alla luce una vittoria e che necessita di una comunicazione narrativa specifica: uno storytelling della salvezza. Questa è l’opportunità per dare valore e concezione ai musei come dimensioni tangibili di dimensioni intangibili cioè i racconti. Questo Museo è a mio parare la rappresentazione metaforica di un atto narrativo, parte di una storia da immaginare in tre atti, che coinvolge le opere, il museo, il Corpo Tutela Patrimonio Culturale dei Carabinieri, e i luoghi di appartenenza: IL PRIMO EQUILIBRO (le opere nei luoghi), LA CADUTA E IL DRAMMA (il furto o il danno), IL RECUPERO (un limbo di vittoria) E LA NUOVA VITA (il ritorno a casa).

Questa esposizione, e tutto il sistema museale orbitante, possono essere valorizzate proprio come il secondo atto di un racconto totale, ancora non concluso.

I protagonisti sono le opere.
Gli aiutanti a diverso titolo sono: i Carabinieri e il Museo.
Gli antagonisti si sono già palesati.

È un caso che Mark abbia scelto e continui a scegliere la tematica artistico-culturale per lo storytelling pubblicitario di Meta?
No.
Perché il concetto di metaverso è già proprio nella natura dell’arte: creare mondi al confine tra realtà e virtualità, grazie alla sensorialità aumentata dei suoi autori (gli artisti), e forti della capacità di stimolare e aumentare i sensi del pubblico che ne fa esperienza.

Il settore culturale resta, a confronto con gli altri, il più predisposto a ibridarsi con le tecnologie digitali e immersive, restituendoci «cose che neanche voi umani potreste immaginare».

ps. E perché no? anche «to be fun»… come recita la clip.

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Ti segnalo due fonti utili sull’argomento:

“Il futuro che verrà: tutte le strade che portano al Metaverso”

“La prima mappa dei 40 Metaversi”

“Il Metaverso per i Musei”

6 premi e 10 nomination al David di Donatello 2022 al film di Gabriele Mainetti.

L’ho guardato con estrema curiosità: mi ha divertito la sceneggiatura che intreccia il genere supererhero e il fantasy storico.
Ma i luoghi…i luoghi mi hanno affascinato, i luoghi, secondo me, sono altrettanto co-protagonisti (se non i veri protagonisti!):

• piazza San Lorenzo nella Viterbo medievale (con il Palazzo dei Papi, la cattedrale e il campanile gotico)
• le rovine del paese terremotato di Castelnuovo (una frazione di San Pio delle Camere in provincia di L’Aquila)
• l’area archeologica del Foro, del Colosseo, viale del Colle Oppio, il Teatro di Marcello e il Rione Monti, l’isola Tiberina, la faggeta di Soriano nel Cimino, il Parco degli Acquedotti e il Forte Bravetta a Roma e dintorni

• la Stazione ferroviaria di Camigliatello nella Sila cosentina.

In una storia, i luoghi non sono mai una scelta a caso: hanno una vocazione e una memoria narrativa che funziona in parallelo ai dialoghi e alle azioni della trama.

E poi, già l’intro ai primi minuti, promette una narrazione in pieno stile storytelling: «Signore e Signori, l’immaginazione diventa realtà. E niente è come sembra!».

Trovo sia curioso che:

1. alla percezione di Pompei quale città antica, “morta” e fragile (costruita in pietre, legno e mattoni) si combini una nuova percezione di Pompei città della tecnologia e della sperimentazione. In fondo, le storie più potenti”sono proprio quelle in cui c’è un forte contrasto narrativo;
2. una città, all’epoca non certo tra le più importanti dell’area di dominazione romana in Campania (vedi Puteoli, ad esempio), stia diventando oggi la smart city archeologica;
3. questa tecnologia è preposta per garantire quel fattore “sicurezza” che venne meno proprio agli antichi pompeiani travolti dalla lava.

E in ultimo:

4. come staranno reagendo e interagendo le colonie feline e canine “analogiche” a questi nuovi ospiti? 

Supereroi (storytelling per eccellenza) e mitologia (storytelling per eccellenza) si connettono in una proposta del Museo Egizio per una visita guidata tematica ispirata alle vicende di Moon Knight, la nuova TV serie su Disney+. 

Quali sono i punti forti di questa iniziativa?
– utilizzare una sttategia di stoeytelling per fare didattica museale e raccontare la storia delle divinità egiziane
– essere multidisciplinare
– attingere dal format cinematografico e dall’entertainment
– costruire connessioni tematiche con contenuti vicini agli interessi delle nuove generazioni.

Leggetevi qui l’articolo per approfondire > https://lnkd.in/e7_AGsnm

Io aggiungo un’altra possibile lettura di connessione tra le due tematiche: il recupero dell’identità e della memoria perdute. Come capita al protagonista del film (a causa di un disturbo dissociativo), così accade anche noi: perdiamo identità culturale e memoria storica di noi stessi quando siamo lontani da luoghi (ed esperienze) come… il museo!

Un meraviglioso case-study di narrazione del marchio (=valore) che investe sul legame storico tra la comunità, il territorio e l’impresa: Campari e Milano.

Nasce sul territorio, è un “bene culturale” e rappresenta la storia della comunità locale. Con questo progetto la narrazione investe e trasforma un “non-luogo” in uno spazio di dialogo tra il pubblico e il brand, radicando nella memoria la sua forza di immagine e di parola.

Il racconto parte dalla “casa della memoria” per eccellenza (il Museo), prende vita in forma audio-visiva, e si ricongiunge alle origini del brand (lo storico bar).

La multimedialità ha bisogno di una super tecnologia innovativa? No, un semplice QR-code e una web-app, perché quello che funziona in questa strategia è il valore culturale in cui i cittadini si riconoscono, è il marchio comunitario a essere carico di potenza comunicativa. E probabilmente solo a Milano può funzionare, non altrove.

Hanno ricostruito in 3d Il ritratto di W.A. Mozart del pittore Giambettino Cignaroli.

In fondo entrambi le forme (matrice e clone) sono riproduzioni virtuali della vera realtà fisica di Mozart: un dipinto e un modello digitale in 3D. Questo ci fa capire quanto le discipline tecnologiche e le discipline artistiche non sono agli antipodi, anzi, hanno un dialogo facile, spontaneo, naturale; l’una fa emergere dettagli e potenzialità dell’altra, integrandosi per una esperienza più completa.

protagonisti: Haltadefinizione feat. Memooria
strumentazione: digital imaging technology for paintings
risultato: clone 3D della pellicola pittorica (cromia e matericità)

Come riflette Wired, forse la versione più possibile e più “naturale” per vivere un mondo onlife è quella immaginata così dall’artista digitale Keiichi Matsuda (ps. qualche film vi ricorda?).
In effetti, a proposito di realtà aumentata, il nostro stesso cervello e il nostro modo di stare nel mondo è già di per sé una realtà aumentata, solo che non vediamo fisicamente le “informazioni” davanti agli occhi. Quali informazioni? Sensazioni, pensieri, intuizioni, odori, profumi, coscienza, sogni, parole, suoni ecc. Noi siamo già una tecnologia “aumentata”. Ciò che verrebbe “aumentato” di nuovo per noi, sarebbe ogni altra sorta di contenuto che al momento recuperiamo su altri “contenitori” (libri, internet, riviste, immagini, film, oggetti ecc.) e li “carichiamo” nel cervello, the best device.

Se i monumenti e le opere d’arte potessero parlare, credo che ci manderebbero volentieri a f*** … a “quel paese”, quando ancora insistiamo nel volerli chiudere all’interno della teca della sacralità, dell’immutabilità, dell’inviolabilità, dell’immobilismo, tutti preconcetti che esistono solo nella nostra testa.

L’arte (in senso ampio) è una “tecnologia” (con un alto valore) a servizio dell’uomo. Edifici, oggetti, ambienti hanno una funzione, una dimensione di praticità, di utilizzo, prima che artistico o culturale in senso filologico. Nessuno può arrogarsi il diritto di stabilirne in eterno il destino, pur essendo tutti d’accordo nel riconoscere un valore storico-artistico, sociologico, antropologico ecc.

Se un quadro, un palazzo, una strada, un muro, una chiesa, un manufatto, possono essere utilizzabili o rimodulabili direttamente o indirettamente in modi nuovi, con obiettivi diversi, con strumenti innovativi, con parole e in contesti alternativi, è sano e giusto che avvenga, è un processo evolutivo.

Ti confesso cosa penso.
Io sono un conservatore dei beni culturali. Quando sono uscito dall’università fresco di laurea, ho pensato: “L’arte e la città devono essere produttive, devono essere al centro di progetti dinamici, devono servire a qualcosa, bisogna farci qualcosa. Voglio ricavarci azione, business, interazione, gioco, socialità, modelli, esperienze. Non ho alcuna intenzione di continuare solo a studiarli sui libri e ad ammirarli come “bambole con il vestitino”, come “vecchie mummie”. Non me ne faccio nulla di conoscere una mole di date, nomi, storie, personaggi, architetture, ambienti, prospettive e colori se non si mettono a frutto con un potenziale concreto. Di qualsiasi genere”.

Dunque, se oggi abbiamo gli stadi per gli spettacoli sportivi (per fortuna senza animali e sangue), be’ mi spieghi perché il Colosseo deve restare vuoto e inutilizzato e non ci posso camminare o trascorrere 15 minuti per bere un caffè, per vivere relazioni umane, per nutrirmi di cultura e socialità? Non posso solo perché è “antico”?!
Anche le città d’arte sono antiche, eppure ci viviamo lo stesso, non le abbiamo evacuate per abitare in capsule di vetro-acciaio moderno.

Le opere d’arte hanno il loro chatbot personale, e noi ancora no.

Dopo quella di Michelangelo sviluppata per l’Opera di Santa Maria del Fiore, anche il David nelle Galleria dell’Accademia di Firenze può parlare via web con il pubblico (leggi qui l’articolo di Artribune) 

Avevo già parlato con il suo “papà”. Dovevo scambiare due chiacchiere anche con lui, altrimenti si sarebbe offeso.
Per un primo semplice testing, gli ho chiesto:
– quanto sei alto?
– perché sei nudo?
– dove sei?
Ha compreso quasi subito le mie domande. Aveva molta voglia di parlare!

Riflessione: la tecnologia dell’intelligenza artificiale ci permette di interrogare le opere d’arte, ma se guardiamo il processo all’inverso, quello che funziona e che rende coinvolgente questa forma di comunicazione è proprio umanizzare e dare voce alle stesse opere d’arte, renderle narrazione di loro stesse. È una una specifica forma di #digitalstorytelling per l’arte. Io la utilizzo spesso, faccio parlare loro al posto dell’artista o del narratore esterno, soprattutto quando si tratta di soggetti con iconografie antropomorfe. D’altronde lo stesso Michelangelo si scagliò contro un’altra sua creazione, pretendendo: “Ma perché non parli?“.

In questo articolo di Artribune si parla di ibridazione.

Ha richiamato alla mente lo stesso processo di genesi della mia professione: un umanista ibridato con le nuove tecnologie, lo storytelling e altri nuovi strumenti/metodi per valorizzare e comunicare il patrimonio culturale per un pubblico che richiedeva esperienze nuove, in modalità nuove.

Come questo processo è scaturito con un fenomeno di crisi (la pandemia), anche 10-15 anni per me fu il periodo della Crisi post 2000 dC a far nascere questa spinta, questa intuizione, questa necessità, perché bisognava offrire una progettazione e una professionalità nuove, più complete, più ricche, più trasversali, più espanse, forse non ancora accolte e comprese dal mercato di quei tempi e dalle cattedre culturali istituzionali.

Ibridare non è un danno né una perdita di valore.
Se le abitudini e i bisogni di vita e di esperienza si trasformano è necessario saper riscrivere il modello, anche interiore, e scegliere con chi o con cosa migliorarsi.

È vero che sono un umanista “nerd” (quindi la commemorazione è sacra!), ma il motivo è sempre lo stesso: l’efficacia di un personaggio con una storia di vita da raccontare.

Batman/Bruce Wayne è l’archetipo dell’eroe che soffre e che fa del proprio dolore una maschera e una causa per combattere i nemici, in una città maledetta come lui, è la proiezione della sua geografica interiore. Bruce non vuole risolvere le proprie ferite, altrimenti non esisterebbe più Batman e il suo cuore avrebbe pace.
L’efficacia del suo personaggio è propria quella di un eroe non perfetto, con paure, incubi, segreti e un passato traumatico. Non ha super poteri, solo intelligenza, tecnologie, soldi e una motivazione solida che lo spinge ad agire. Sono queste “macchie nere” a rendere umano e verosimile un protagonista. Ognuno può identificarsi in Batman, scavare nel pozzo dei propri incubi, trovarsi un simbolo per esorcizzare la paura, farne un abito e scegliersi una missione… magari proprio quella di proteggere e prendersi cura di tutti, di nascosto, nell’ombra, dall’alto, senza mai prendersi cura di sé.

Prendiamo spunto e raccontiamo così anche i personaggi della Storia del nostro Patrimonio culturale.

Quanti ne possiamo trovare che hanno una genesi e arco narrativo simile a quello di Batman? Pochi? Nessuno? Non importa, è la metodologia, la forma, la visione che conta, saper costruire un personaggio che affascini il pubblico e convinca con una storia concreta, vissuta. Se hai un contenuto valido, quello che conta è come lo racconti, come lo comunichi, cosa scegli di dire per costruire un legame identitario tra il personaggio e il pubblico.

Nasci, ascolta, parti/resta, elabora, ritorni, rielabora.

Vogue Italia n. 851 – agosto 2021
A little of the best by me.
My narrative favorite worlds: fashion & art.

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Anche se il genere potrebbe essere declinato come “poco colto” (CHI LO DICEE??), questo genere di cinema offre l’opportunità di analizzare come gli sceneggiatori sperimentino e applichino i paradigmi narrativi più tradizionali e gli elementi tipici di una narrazione. Quando andrò al cinema a vedere Gli Eterni, farò attenzione all’arco evolutivo dei personaggi e, meglio ancora, a come l’archetipo dell’eroe sia stato rivisto e fatto maturare.

In questo capitolo, la dimensione “americanata-effetto speciale-mazzate” è più sensibile verso temi sociali contemporanei e la componente del drama è più marcato.

Anche i musei e i luoghi di cultura possono “convocare” i propri supereroi del passato e del presente, ingaggiarli per un’avventura (piccola o colossale che sia) e trasformarli in testimoni di tematiche contemporanee raccontate con il filtro della loro sensibilità e della loro esperienza.

Ci proveresti?

The HEINEKEN Company ci ha azzeccato.
Sono un pioniere, un mediatore e un investigatore. Chi mi conosce e lavora con me, può confermare.

Non mi sono candidato nella sezione careers (io sono un winelover), sto studiando lo storymaking e la costruzione di storie a finali multipi del tipo collaborativo autore-pubblico. Heineken Go Place è un caso-studio di applicazione della meccanica di coinvolgimento interattivo per il settore Risorse Umane: l’azienda costruisce un ipotetico profilo del candidato basandosi sulle scelte di quest’ultimo, simulando momenti topic della professione richiesta.

Al di là del profilo psicologico, è il meccanismo di co-creazione a entusiasmare e a coinvolgere, anticipando nella mente del candidato le situazioni che dovrà affrontare sul lavoro, offrendo scenari di  simulazione di responsabilità e scelte in prima persona.

Perché mi è utile? Per sperimentare sceneggiature e narrazioni interattive anche nel processo di coinvolgimento con il pubblico del settore storico-culturale. Il cinema e i videogiochi ormai sono in prima fila su questo, ma la sfida ora è portare lo storydoing come esperienza per offrire conoscenza diretta dei contenuti cultutali. Il visitatore deve diventare co-creatore della trama e del finale di questa esperienza.

Perché nella vita, il finale è tutto soggettivo.

I personaggi dei luoghi, gli immaginari collettivi, le memorie storiche e leggendarie + la creatività: questa è la pozione magica per uno storytelling territoriale di successo!

I Borghi Animati – L’Italia come non l’avresti mai immaginata
a cura dell’hub creativo That’s Motion di Piacenza
Progetto vincitore di Viaggio in Italia, il contest organizzato dal Ministero della Cultura in collaborazione con Invitalia.

Bravissimi!

Il corto sci-fii come progetto di laurea (l’aspetto più interessante!) di Eran May-raz e Daniel Lazo dell’Accademia delle Arti di Bezaleal esaspera una visione, il sight, appunto, del possibile futuro (prossimo) di umani “aumentati”.

Più che tecnologica, la sfida sarà (come lo è sempre) etica e “umanistica”.
Comunque, strafigo.

Ho conservato questa intervista (datata, ma sempre efficace) per pubblicarla e commentarla al “momento” giusto. Reputo sia ora, nella pausa estiva, mentre si continua a lavorare per migliorare la ripresa e a revisionare, ancora, i modelli esperienziali della cultura.

Come per altri musei grandi e medio-piccoli musei che stanno investendo nella gestione, nel marketing, nelle tecnologie esperienziali, nel digitale, nel dialogo con il pubblico e nella connessione museo-territorio-cittadinanza, ciò che mi interessa di questa storia è condividere il fattore scatenante: la persona.

La trasformazione e l’evoluzione del MArTA – Museo Archeologico Nazionale di Taranto con ricaduta benefica sul territorio e sugli attori sociali sono stati possibile grazie a una visione, a una mentalità, al coraggio, a scelte specifiche. Ben oltre, la missione di conservazione, di curatela e di catalogazione museale.

Questa persona è Eva degl’Innocenti (e team di supporto), un modello “alto” per altri direttori museali e operatori culturali.
Stima e ammirazione.

Le architetture, gli spazi, le mura, i palazzi, le chiese sono concetti, espressioni di arte, storie in continua mutazione, finestre di pensiero.
Chi lo dice che devono rimanere uguali e intoccabili nello stile con cui sono stati concepiti?
I limiti e i preconcetti del preservare e cristallizzare lo stile originale sono solo un ostacolo a un dialogo potente tra antico e contemporaneo che, in determinate e nuove circostanze, può invece offrire occasione di riflessione e di evoluzioni per l’essere umano. Un restauro, un vuoto decorativo, un allestimento, un percorso museale, una rigenerazione, una rinfunzionalizzazione, sono tute occasioni di sperimentazione per aprire ponti tra il passato e il presente-futuro.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Spagnolo, architetto, Santiago Calatrava ha firmato un intervento artistico di decorazione all’interno della chiesa di San Gennaro nel Real Bosco di Capodimonte, che finalmente riapre al pubblico dopo una chiusura di oltre cinquantanni (la notizia su Artribune)
Ha compiuto un miracolo. Calatrava rispetta le linee dell’invaso, recupera i materiali e le tradizioni della cultura artigianale e delle fabbriche locali, e riporta il concetto – prima che l’effetto – di meraviglia, di profondità, di leggerezza, di coinvolgimento estatico, che che fu anche del suo precedessore Ferdinando Fuga, autore della struttura decorativa settecentesca.
Carlo di Borbone avrebbe apprezzato, ne sono certo.

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Legami è contrasti l’ho vista tutta. È una webseries scritta e diretta da Simone Pelatti, ambientata tra Ravenna, Cervia e Comacchio premiata nel 2019 al primo contest #myRavenna promosso dall’Ufficio Turistico del Comune di Ravenna.

I luoghi sono prima di ogni cosa spazi e contenitori della vita umana. Si imbevono delle nostre storie, dei nostri ricordi, delle nostre emozioni. Ecco perché quando noi ci ritorniamo e li viviamo, ci riconnettiamo alla memoria delle esperienze che vi abbiamo lasciato e per noi quei luoghi assumono un valore personale affettivo, relazionale, sociale, prima che storico-artistico.

E allora, il modo migliore per promuovere un territorio è quello di raccontare le storie dei personaggi che li hanno vissuti. Di quelli che furono (e sono) più famosi nella Storia, così come di tanti altri che restano anonimi, come noi, forse. Come loro.

Ne abbiamo di storie affettive e di conflitti generazionali, come quella narrata in questo prodotto, in cui identificarci e far identificare l’altro. Se la storia coinvolge anche la città e quei luoghi hanno un valore per la storia personale delle persone, il processo cognitivo ed educativo culturale è assicurato. Se il contesto di una trama è un’architettura barocca o un centro urbano medievale, se i dettagli inquadrano un mosaico o un affresco, se i dialoghi viaggiano tra una piazza e un vicolo antico, la posta in gioco si alza, decisamente si alza, e impariamo qualcosa.

Nel momento esatto in cui ho deciso di specializzarmi nella narrazione per i luoghi della cultura, ho iniziato a studiare anche i processi di funzionamento della memoria umana e delle emozioni. Narrazione, memoria, emozione sono correlati: non ricordiamo tutte le informazioni e gli accadimenti esatti di un evento, bensì memorizziamo l’impatto emotivo più intenso, influenzato da bias, individualità e tutte altre esperienze già archiviate in noi.

E allora, quanto vale la verità?
L’effetto Rashomon spiega come il fenomeno della memoria umana influenzi la percezione delle storie che si ascoltano.

Dunque, anche nella comunicazione culturale, la narrazione di un luogo, di un oggetto, di un personaggio è la strategia più efficace per “restare” nella memoria delle persone. Non preoccupiamoci di chi è il più bravo, di chi dice le cose più scientifiche, di chi elenca più dati e informazioni. Preoccupiamoci solo di raccontare, partendo da quanto reputiamo più valido, sicuramente, ma con l’obiettivo di creare una connessione emotiva. Il resto, a quanto ci spiega la scienza, lo deciderà il cervello emozionale dell’ascoltatore.

E noi, a quel punto. potremmo fare ben poco.

I Musei italiani sono stati bravi.
Qui potete leggere una serie di dati positivi e interessanti raccolti nelle ultime indagini dell’Osservatorio Digital Innovation Beni Culturali del Politecnico di Milano.

Due sono le riflessioni da studiare come “compiti a casa” e una è la parola d’ordine da stampare in ufficio:

• è cambiata l’esperienza con la cultura, il concetto di quando, dove e come vivere l’esperienza di cultura, il momento decisionale, il rapporto e le abitudini di consumo;
• digitale e reale sono due volti di un’unica vita, la nostra, ficchiamocelo nella testa una volta per tutte. Non si fanno la guerra, nessuno è migliore dell’altro, ma si alimentano reciprocamente;
• STRATEGIA! aver trasferito tanta roba in digitale una volta e bene non vuol dire digital transformation. Il traguardo lo vincerà chi saprà ragionare consapevolmente sul medio-lungo periodo e adottare una strategia.

E tu hai già accettato questa sfida?

Il Parco apre i confini

Strategia relazione e cooperazione

Ci rendiamo conto della potenza narrativa transmediale che si può generare? Giocare incrociando i personaggi delle nostre saghe eroistiche o delle favole ci dà la possibilità di aumentare le loro narrazioni e i loro mondi e di inventare altre storie.
Unmatched è un’epica battle-royal con la super caratteristica di uno speciale rapporto tra personaggi e “luogo” di ambientazione (evviva!).
La distanza tra i personaggi, il posizionamento sulla mappa, il momento giusto per gli attacchi e il corpo a corpo regolano la riuscita dello scontro- Apprezzo molto che in questo gioco da tavolo la dinamiche di interazione insegnerà che la storia di un personaggio ha un valore maggiore all’interno di uno spazio per rendere più realistica l’interazione.

Altri due punti di forza: espansioni e grafica.
Be’, chi me lo regala? 

Il sogno di Nicolas Gentile può essere bizzarro, ma ha tutta l’intenzione di un’impresa socio-economica, di una comunità, che intanto ha già il proprio storytelling su Instagram, e anche il wi-fi. Perché gli «hobbit moderni si circondano di comodità».

Arianna Traviglia è la coordinatrice del Centre for Cultural Heritage Technology (Ccht).

Ha ideato il progetto Cultural Landscapes Scanner, che coinvolge l’Istituto italiano di tecnologia (Iit) e l’Agenzia spaziale Europea (Esa).

Lo scopo della missione è: identificare dall’alto siti archeologici sconosciuti utilizzando le immagini satellitari con la tecnologia Intelligenza Artificiale.

«È questo che mi ha permesso di creare questo progetto: c’era bisogno di una figura ibrida che parlasse due linguaggi, le scienze umanistiche e le scienze dure. E nascere” archeologa è fondamentale: spesso l’errore è quello di voler applicare le discipline scientifiche alle scienze umanistiche senza comprenderne però le reali esigenze. Invece, se vogliamo fare tecnologie per i beni culturali, le digital humanities, dobbiamo partire da queste e cercare soluzioni, creare software, che abbiano effettivamente valore, altrimenti lo capiamo». (cit. intervista su Wired) 

Una che parla (e pensa) così, me la sposerei subito.

L’inedita frase del Ministro Dario Franceschini «Lanceremo la Netflix della cultura» ormai ha perso valore?

• Nexo+: ha acquisito i diritti di oltre 1.500h di contenuti suddivisi in 9 “mondi” o categorie (Arte, Attualità, Ballo, Biografia, Cinema, Musica classica, Musica pop, Performance dal vivo e Storia. Ha 12 anni di esperienza nella produzione e realizzazione di contenuti video alternativi. Prevede formule abbonamenti e multi account stile Netlfix. Vanta collaborazioni di alto livello (es. Elisabetta Sgarbi, Feltrinelli Real Cinema, Divisione cinema della Scuola Holden)
• Audiovisiva: una digital library di +300 documentari made in Italy. Il suo core content è una raccolta di storie di designer, architetti, artisti, compositori, registi, scrittori, musicisti, stilisti, fotografi. Il progetto è costruito in collaborazione con filmmaker, case di produzione, istituzioni culturali italiane e internazionali, archivi e fondazioni. Prevede diverse formule di film (gratis, a pagamento noleggio/acquisto, streaming educational) e una sezione dedicata a Musei e istituzioni culturali («esperienza e capacità di ricerca dei contenuti audiovisivi al servizio di innovative forme di fruizione per il visitatore e per la costruzione di percorsi espositivi.» cit. dal sito web).

Riflessione sulla mostra Gladiatori del Museo Archeologico Nazionale di Napoli
Quando la promozione e la comunicazione si declinano (e si trasformano) in un racconto, quando il prodotto/oggetto quasi scompare per lasciare il posto alla vita e al senso più grande da cui ha origine, quando non percepisci di essere invitato a vedere una mostra d’arte bensì ti hanno immerso con emozione in una storia, è allora, è in quel momento che sta funzionando lo storytelling culturale.
E tu sei l’eroe protagonista.
Tu sei un gladiatore.
«Tutti siamo gladiatori», come recita lo slogan della mostra.

Quel timbro vocale, a occhi chiusi, la nostra mente lo conosce e richiama l’icona del gladiatore per eccellenza: Luca Ward-Russel Crowe-Ridley Scott. Questo dice una cosa sola: la voce dei musei e dei luoghi di cultura deve ispirarsi a quella del cinema. Deve emozionare e scuotere l’animo, deve incuriosire e trattenere sino al finale, deve costruire miti, risvegliare archetipi, innescare identificazione, attivare connessioni passato-presente-futuro.

🔥 Per una mostra d’arte da atmosfere colossal non poteva mancare il trailer.
Le pillole di anteprima sui canali social network del Museo Archeologico di Napoli sono esempio di comunicazione narrata nella logica dell’esperienza utente neverending e phygital. Il primo contatto inizia al di fuori del Museo, sulla vetrina (narrativa) digitale: l’anticipo, l’assaggio, la prefigurazione del racconto, l’informazione sui protagonisti, il messaggio ispirazionale, la costruzione dell’interesse e del coinvolgimento, la preparazione a quel climax che avverrà dal vivo in situ.

Uno: la parola.

Leggere ipervisione sul sito web istituzionale del museo degli Uffizi di Firenze (forse il più importante per la storia dell’arte italiana) significa coniugare cultura e digitale, tradizione e innovazione. Dire ipervisione significa ben più di una mostra digitale: si promuove un concetto, uno stato mentale, un valore, una nuova fruizione del contenuto, un senso aumentato. Io ci leggo: Galleria degli Uffizi = Rinascimento Digitale.

Due: il contenuto.

Siamo d’accordo e lo saremo sempre: l’esperienza nel museo è più importante. Tuttavia, importante non vuol dire migliore. Quando e come potremo con la nostra “umanità” immergerci in dettagli antichi, ovunque ci troviamo, e gratis?

Digitalizzare l’arte permette accessibilità e diffusione della cultura. Digitalizzare l’arte non impoverisce né sostituisce l’esperienza empatica e sensoriale fisica. Le tecnologie ci offrono solo la chiave per esperienze-altre, per contatti alternativi con l’opera, corredano e completano, approfondiscono, aprono mondi a noi ignoti e impossibili.

Anche quando torneremo nei Musei, la persona (studioso o visitatore) dovrebbe avere l’opportunità di vivere il contenuto con i propri sensi e/o con sensi aumentati dalle tecnologie.

Il 49% “è favorevole”, il 23% “certamente sì”, il 49% “probabilmente sì”, il 5% non ha interesse. I dati positivi dell’indagine Luiss non mi meravigliano. Il modello di content-experience Netflix ha il suo degno trono nella nostra mente per il settore cinema. La percezione e l’aspettativa sono forse influenzate. Forse lo è anche la prospettiva dei lunghi tempi di ripresa per i luoghi di cultura che motiva questo bisogno. E lo capisco.

Quello che mi domando, come questa ricerca, con perplessità, è se sia utile sulla lunga durata per il nuovo Rinascimento Italiano post Covid-19 e per sostenere la “filiera culturale” o se sia un tentativo di colmare deficit di comunicazione, strumenti e modalità di contenuti (su cui musei e luoghi di cultura si stanno impegnando, invece) con una soluzione-replica tout-court, semplicistica, impacchettata.
Male certo non fa.

Però film online e TV Series non hanno un contesto di riferimento più “profondo”: eventi, concerti, mostre, filmati on demand ecc. non sarebbe meglio che sorgessero, ad esempio, sui siti web delle rispettive istituzioni che li promuovono? In fondo sono storie, e le storie funzionano se restano nei luoghi in cui sono nate e a cui si intrecciano. Per valorizzarli.

Eccellenze made in Torino: il Museo Nazionale del Risorgimento Italiano di Torino ringrazia le menti creative dei ragazzi dell’IED Istituto Europeo di Design per il nuovo logo.

Due aspetti strepitosi mi entusiasmano:

1. la suggestione cinematografica costruia con la musica e il visual storytelling che rendono coinvolgente e attraente la comunicazione di un periodo di Storia “impegnativa e pesante”;
2. lo storytelling umano che lega i nomi dei Protagonisti della Rivoluzione ai nomi dei singoli Protagonisti designer vincitori, allineando le generazioni e generando quel legame identitario passato-presente.

Potente, evocativo, vivo, magico.

Il nuovo logo del Parco archeologico di Ercolano racconta perfettamente l’identità del parco-museo, il suo viaggio, la sua forza, la visione da promuovere. Finalmente si rafforza il discorso del legame con il territorio, tra le due città, in primis con i cittadini, con l’intento di accogliere l’innovazione per trasmettere il passato.

Mi sono emozionato, fortemente.

Sono felice: finalmente un progetto di comunicazione ha puntato sul genius loci, sullo storytelling della memoria storica, andando indietro nel tempo fino al mito antico.

Stringimi forte di Giorgio Conte: canzone ufficiale della campagna di comunicazione del MiC per la riapertura dei luoghi dell’arte.

L’autore regala il brano al MiC. È il racconto della speranza di riconnetterci fisicamente, in nome della quale stiamo compiendo “funamboliche acrobazie”. Musica e testo drammatici, struggenti, tra costrizione e leggerezza (interiori).

L’abitudine a intrecciare le storie mi ispira solo due domande:
1. anche Andrea Sannino, criticato per aver girato un clip di tendenza neomelodica nel Museo di Capodimonte, aveva cantato il “bisogno di contatto fisico” nel brano Abbracciame che ha unito cuori e menti del Sud Italia nel primo lockdown (per la serie: la sensibilità ai temi della vita va oltre il linguaggio e lo stile);
2. il brano di Conte mi piace, ma se stile e questo sound ora sono simbolo adottato dal MiC in qualche modo, perché a Sanremo il pubblico ha scelto il rock-pop dei Maneskine come canzone italiana rappresentante del 2021? Al di là dei contesti, c’è un divario tra le narrazioni che ci rappresentano?

Quello che mi chiedo davvero è cosa oggi ci rappresenta uniti come Italia della cultura. Non è facile, siamo tanta roba: siamo alla ricerca della narrazioni giuste per la nostra (pluri)identità? Se fosse possibile…

• autori: docenti e creator
• target: studenti e appassionati (anche adulti)
• motivazione: l’esigenza della didattica a distanza, il bisogno di contenuti di approfondimento, il desiderio di nuove modalità di racconto divulgativo
• durata: in media ca. 40 min/episodio
• modalità: telecamera, voiceover, solo audio, grafica accattivante
• linguaggi/contenuti: videolezioni su YT; pillole e curiosità brevi e leggere su TikTok e IG

e cita alcuni fenomeni interessanti:

• il prof Alessandro Barbero
• Gocce di Storia
• Bistory
• Mitologia: le meraviglia del Mondo Antico del prof Alessandro Gelain
• Nova Lectio
• Avlas
• Diario di Charlotte Gandi (cit. «Le materie umanistiche funzionano in rete perché toccano l’umanità delle persone»)
• il prof. Daniele Coluzzi (cit. «Le persone sono attratte dal Novecento; tanti vogliono semplicemente rispolverare alcune nozioni o farsi un’idea su argomenti che finora hanno assimilato in modo confuso.»).

Dunque, contenuto e media sono coppia vincente.
Il web e i social network favoriscono la diffusione e raggiungono pubblici immensi. L’obiettivo è raggiunto potenziando soprattutto la comunicazione, il linguaggio, il tono di voce, l’uso dello storytelling, contenuti organizzati in modo accattivante e dinamico.

Così si riesce a coinvolgere, a trattenere e in-trattenere, magari aggiungendo un pizzico di emozione e di recitazione.

Un’ispirazione, un modello, uno spunto utile per Musei e Luoghi di Cultura per continuare, o iniziare, a investire nelle nuove forme di comunicazione dei propri contenuti.

Conosci altri canali innovativi per la divulgazione della Storia?

Le spinte motivazionali interiori e i nuovi bisogni dei viaggiatori

• in solitaria (bisogno introspettivo/spirituale)
• relax nel lusso (bisogno di benessere psicofisico)
• raggiungere parenti (bisogno di amore)
• brevi weekend (bisogno di fuga dall’incertezza)
• gastronomia (bisogno di sperimentare i sensi).

Il pubblico è targetizzato. Ora tocca a noi.

• lezioni e master class di cucina
• degustazione di vini
• cibo e opera lirica
• visitare un parco archeologico con un professionista esperto
• conoscere la Storia attraverso le Escape Room
• scoprire i segreti di una città con un autentico cittadino.

Da cosa sono accomunate queste esperienze? Dalla narrazione.

Dopo aver letto la news, Ikea mi ha trasmesso tre percezioni del proprio brand:

• la sincerità di accettare i cambiamenti sociali
• il coraggio di chi sa osare e dire basta alle cose “statiche”
• la lungimiranza di voler investire nel digitale.

Perché può farlo?

Cosa possono imparare i Musei da questa storia memorabile?